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Nueva York, en una libreta

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James Gulliver Hancock, un joven australiano aficionado a los viajes y al dibujo, encontró la mejor manera de unir sus dos pasiones mientras viajaba como turista por Europa.

Llegó a la conclusión de que la mejor manera de conectar con las ciudades que visitaba, sin parecerse a los turistas apresurados que toman fotos casi en automático, apenas sin contemplar el objetivo de la lente, era sacar la libreta y dibujar edificios que le llamaban la atención.

Así, James Gulliver llegó a Nueva York y se propuso dibujar todos sus edificios. De momento lleva más de 500 que sube continuamente al blog All the Buildings in New York. Hace un mes, la editorial Rizzoli publicó un libro que recupera buena parte de este trabajo.

“Este proyecto comenzó hace mucho tiempo mientras cuando estaba viajando y quería representar las ciudades que visitaba  de una manera distinta a la de un turista cualquiera”, dice el artista en una entrevista que publica en su página web.

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James no dibuja sólo edificios famosos, esos que son retratados miles de veces por el turista convencional, sino aquellos con los que siente una conexión especial. Así se conforma esta particular declaración de amor a la ciudad que lo acoge.

“Algo interesante que encuentro en Nueva York es que los edificios son muy diferentes entre sí. Recuerdo que en París los edificios de una manzana son muy similares”.

James dibuja en su libreta, pero en ocasiones en servilletas, casi como una obsesión.

“Creo que la obsesión es genial. Me gusta la gente que colecciona cosas, no creo que sea algo malo ser raro, me parece estupendo”.

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Redacción Cuello Blanco Magazine

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El punk entra al museo

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Una exposición en el Metropolitan de Nueva York analiza el impacto entre el punk y la industria de la moda.

La muestra Punk: chaos to couture (Punk: del caos a la costura), exhibe casi un centenar de piezas que demuestra la influencia que tuvo este movimiento en la cultura popular.

La exposición, que reúne diseños de Vivienne Westwood, Martin Margiela, Galliano, Versace, McQueen, Rodarte, entre otros, también incluye proyecciones de vídeos y la recreación de la boutique Seditionaries, abierta en Londres en los 70 y la sala de conciertos de Bowery en Nueva York.

“El punk trataba de celebrar lo individual, celebrar la creatividad y no tener miedo, ser valiente en tu propia presentación y ser valiente en tu afirmación de moda”, dijo Andrew Bolton, comisario del Instituto del Traje del Museo Metropolitan.

La exposición, que se inauguró ayer con una alfombra roja en la que participaron actrices, modelos y cantantes (Madona estuvo ahí), se podrá ver hasta el 14 de agosto.

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Redacción Cuello Blanco Magazine

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Los 75 años del Guernica en dos exposiciones

El Guernica, una de las piezas más célebres de Picasso, cumple 75 años. Un aniversario que no pasa desapercibido. Un par de exposiciones Encuentros con los años 30, del 3 de octubre al 7 de enero en el Museo Reina Sofía, y Picasso Black and White, del 5 de octubre al 23 de enero en el Guggenheim de Nueva York¡, recordarán la famosa obra que se presentó al público por primera vez en el pabellón español durante la Exposición Internacional de París de 1937.

La muestra en el Reina Sofía “aborda esta década del siglo XX como un periodo turbulento en el que el arte y el poder se aliaron y confrontaron y que, a muchos niveles, resulta clave para entender nuestro propio presente”.

La exposición parte de la idea de que la “producción artística de esta época -que estuvo marcada tanto por un creciente clima de violencia política como por la aparición de importantes innovaciones tecnológicas, especialmente en el ámbito de la comunicación y de los transportes- no sólo debe concebirse como una extensión inercial de las vanguardias de las dos décadas anteriores y/o en su relación, especialmente conflictiva, con las narrativas propagandísticas, sino también como un momento en el que se cuestiona y reformula la modernidad en el que comenzaron a generarse ideas y objetos que desafiaban los límites entre disciplinas, medios y naciones”.

Por su parte, al otro lado del Atlántico, el Guggenheim analizará las formas en las que el artista exploró desde una edad temprana con las distintas gamas de colores del negro al blanco. El Guggenheim expondrá 118 pinturas, esculturas y trabajos sobre papel realizadas entre 1904 y 1971 que muestran la relación del artista que demuestran que el pintor siempre investigó y dibujó con tonos monocromos, austeros y oscuros durante prácticamente toda su carrera. Abajo, encontrarán una de las obras que se expondrán.

Redacción Cuello Blanco Magazine

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El cabezazo de Zidane llega al Pompidou de París

El artista argelino Adel Abdessemed (1971) ha instalado una escultura de más de cinco metros de altura frente al Centre Pompidou de París que recrea el famoso cabezazo del futbolista francés Zinedine Zidane a Marco Materazzi durante la final de la Copa del Mundo de 2006.

La obra titulada “Cabezazo” fue realizada en bronce y da la bienvenida a los visitantes a la exposición “Soy Inocente”, la primera gran muestra individual dedicada al artista, que se inaugura el 3 de octubre y finaliza el próximo 7 de enero de 2013.

“Desde su aparición en la escena artística, en torno a 2000, la obra de Adel Abdessemed se nutre del desastre de la historia contemporánea. El artista utiliza el lenguaje del arte para apropiarse de la potencia de la violencia y la destrucción: los aviones trenzados de Telle mère tel fils (De tal madre, tal hija; 2008) o la carlinga plegada de Bourek (2005) recuerdan el traumatismo del 11 de septiembre de 2001, que inauguraba el siglo; las carcasas de coches moldeados y cocidos en el horno de Practice ZERO TOLERANCE (Práctica ZERO TOLERANCE, 2006), son los vestigios de las revueltas urbanas que agitaron los suburbios de Francia en la primavera de 2005; las filas de alambre de espino jalonadas de dobles hojas cortantes y de puntas afiladas de Wall drawing (2006) remiten a la lógica del encarcelamiento (el campo de Guantánamo) y a las divisiones territoriales”, se lee en la página web del Museo.

Una versión más pequeña de esta escultura ya fue mostrada a principios de año por Abdessemed en la exposición “Who’s Afraid Of The Big Bad Wolf?” (¿Quién teme al lobo feroz?) en la Galería David Zwirner de Nueva York (ver imagen abajo).

Redacción Cuello Blanco Magazine

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Torres que llegan al cielo

Los rascacielos siempre han existido para desafiar las leyes o al poder divino, han representado el poder y sido una inagotable fuente de inspiración para arquitectos y artistas.

La exposición “Torres y rascacielos. De Babel a Dubái” que se inauguró ayer en el Caixa Forum de Barcelona ofrece un recorrido visual, cronológico, simbólico e histórico por las torres y rascacielos, reales o imaginadas. Partiendo del mito bíblico de Babel, fuente de inspiración para pintores europeos del siglo XIII al XIX, hasta los rascacielos de cristal del siglo XXI, símbolo de la emergencia de Asia y Oriente como potencias económicas.

La muestra “evoca la propensión humana a afrontar desafíos imposibles y vencer las trabas materiales. Las formas arquitectónicas reflejan la fascinación del hombre por la verticalidad y nos recuerdan esa búsqueda de creatividad, de una inventiva marcada por la audacia, la excelencia y un perfecto dominio tanto de los materiales como de la obra misma”, según el texto de presentación de la exposición.

La exposición, que se puede ver hasta el 9 de septiembre, está formada por 200 obras de autores como Brueghel el Viejo, así como maquetas, fotografías, grabados, dibujos y proyecciones, un recorrido singular de estas edificaciones.

La muestra está dividida en siete apartados y recuerdan la época dorada de los rascacielos, a finales del siglo 19 y principios del 20 con Chicago como capital de estas construcciones con  el Home Insurance Building (42 m), fue construido en esta ciudad en 1885 por William Le Baron Jenney, considerado uno de los primero rascacielos.

“Desde entonces, los rascacielos (en su mayoría, centros de decisión de grandes grupos financieros) se convirtieron en Estados Unidos –y fundamentalmente en Nueva York– en la imagen futurista de la modernidad, y se entabló una competición para ver cuál ascendía a mayor altura: el Flatiron Building(1902, 87 m), el Singer Building (1908, 186 m), la Metropolitan Life Insurance Tower (1909, 213 m) o el Woolworth Building (1913, 241 m)”.

Dividido en siete apartados, la exposición habla también del estilo internacional, originario de la Bauhaus en Alemania, que dio pie en Estados Unidos a una arquitectura racional y funcionalismo aplicada al rascacielos. “Este modelo norteamericano de rascacielos presidirá la escena internacional hasta los años 80: véanse si no la Lever House (1951-1952), el Seagram Building (1954-1958), la John Hancock Tower de Boston (1968-1976), las torres gemelas del World Trade Center de Nueva York (1966-1973) o la Sears Tower (1970-1974) de Chicago. Solo el estudio Archigram, con el proyecto de la Montreal Tower en 1963, un concepto de arquitectura efímera, propone una modernidad alternativa a la arquitectura internacional”, se lee en el texto de presentación.

La muestra continúa mostrando construcciones como la del Chicago Tribune de Howells y Hood (141 m), el complejo del Rockefeller Center en 1929 (259 m) y el Chrysler Building en 1930 (298 m) y  el Empire State Building (381 m), convertidos todos en símbolos de la modernidad.

La exposición repasa la adopción en Europa del rascacielo y la influencia del art déco en Estados Unidos.

Álvaro González

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Los mil rostros de Cindy Sherman

Cindy Sherman, la provocadora y venerada fotógrafa estadounidense, festeja desde el pasado 26 de febrero, su primera gran retrospectiva en el MoMA de Nueva York.

La exposición, que concluye el 11 de junio, reúne más de 170 fotografías en color y blanco negro, realizadas desde mediados de la década de los 70 hasta la actualidad. Entre las obras más importantes de la exposición destacan series como ”Untitled Film Stills” (1977–80), una compilación de imágenes en blanco y negro que representan a la artista interpretando papeles femeninos estereotipados, con una estética  de los años 50, 60, Hollywod y el film noir.

Su obra entró a formar parte de la colección del MoMA en 1982, cuando tenía 28 años. Desde entonces, Sherman se ha convertido en una de las máximas exponentes de su generación. Sus personajes, siempre exagerados y críticos, forman parte de lo mejor del arte contemporáneo estadounidense.

Coincidiendo con la exposición en Nueva York, La Fábrica ha editado Cindy Sherman,  un libro que  recoge tanto su trayectoria en blanco y negro como en color.

Cubierta del libro editado por La Fábrica

Álvaro González

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25 años sin Warhol

Han pasado 25 años de la muerte de Andy Warhol, el padre del Pop Art, pero su figura, su arte  y su legado continúa más vigente que nunca.

Warhol, que hoy tendría 83 años, es según la revista Forbes, junto a Michael Jackson, Elvis Presley o Marilyn Monroe, uno de los artistas fallecidos más rentables de la historia con unos ingresos anuales de 4.5 millones de euros. Para conmemorar el 25 aniversario de su muerte el Museo Andy Warhol inaugurará en marzo una gran retrospectiva en Singapur, que se trasladará después a Hong Kong, Shanghai, Pekín y Tokio. En España se puede contemplar hasta finales de abril la exposición “Andy Warhol. Portraits” en Zaragoza.

Con esta entrada hacemos un homenaje a Warhol, recordando algunos vídeos realizados en su estudio, The Factory, un referente del Nueva York más bohemio y excéntrico de los sesenta.

Entrevista con Andy Warhol, acerca de The Factory

Con Nico y The Velvet Underground, visitantes habituales en el estudio

“Lonesome Cowboys”, muchas veces las películas de Warhol parecían no tener ningún sentido

Álvaro González

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Dime cuántos seguidores y amigos tienes y te diré qué museo eres

El  Moma  yel Metropolitan Museum of Art  de Nueva York, junto al Museo del Louvre, son las instituciones con más reputación e influencia en las redes sociales, según una lista elaborada por la plataforma Museum Analytics.

Los museos ya no sólo  miden su influencia en la cantidad de espectadores que visitan anualmente sus salas o en la calidad de sus colecciones, el mundo virtual da oquita prestigio y es una parte central de la estrategia de marketing y comunicación. En la lista, el dominio de los museos de Estados Unidos, con más seguidores en Facebook y Twitter, es evidente.

Museum Analytics actualiza diaramente la información acerca de las audiciencias online y offline, con el objetivo de ofrecer una herramienta de análisis y de evaluación sobre las estrategias de las instituciones.

El Moma, con con 877  mil seguidores de Twitter y 957 mil 225 fans en Facebook ocupa el primer lugar de la lista , seguido por el Met con 594 mil fans en facebook y 428 mil seguidores en Twitter. En tercer lugar se encuentra el Museo de Louvre  con 462 mil 452 fans en Facebook y 123 mil seguidores en Twitter.

Más abajo, aparecen en el cuarto lugar la Saatchi Gallery de Londres  con 361 mil fans en Facebook y 120,678 seguidores en Twitter y la Tate con 337 mil personas en Facebook y 552 mil seguidores en Twitter. En el top 10 aparecen el museo de la Acrópolis de Grecia (sexto puesto), el Guggenheim de Nueva York (séptimo), el Pompidou de París (octavo), el MOCA Taipei en Taiwan (noveno) y el British Museum (décimo).

El museo español que aparece más arriba en la lista es el Museo del Prado en el lugar 12, más atrás se coloca el Reina Sofía (21) y el Guggenheim de Bilbao en el 43. De América Latina destacan el  Museo de Arte de Lima 39,  y el Malba- Fundación Constantini de Buenos Aires en el número 37. Más rezagados se encuentran el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México en el lugar 54 de la lista, el Museo de Frida Kahlo en el lugar 61.

La lista incluye también datos de  las visitas offline, es decir, de las visitas las físicas a los museos. Llama la atención que el Louvre, el más visitado del mundo con 8 millones y medio de visitantes el último año, no sea el que tiene más seguidores en las redes sociales y que la Saatchi Gallery, que recibe un millón 200 mil visitas, una cifra menor a la de muchos museos, su presencia virtual la coloque entre los cinco primeros, lo que demuestra que la relevancia  online va por su propia cuenta. 

Álvaro González

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Palabra de Sakamoto

Hemos recuperado algunas de las citas de libro La Música os hará libres (Altair, 2011), la biografía del músico japonés Ryuichi Sakamoto que se encuentra actualmente de gira por España.

Estos textos fueron originalmente publicados en la revista Engien entre enero de 2007 y marzo de 2009 y en ellos el autor hace un repaso a toda su vida, recuerda a sus maestros y a sus principales influencias musicales.

Sakamoto estará firmando ejemplares del libro hoy a las 19:00 horas en el FNAC Triangle de Barcelona y mañana dará un concierto en el Palau de la Música.

“En la actualidad la música es mi profesión. Pero ¿por qué? Ni yo mismo lo comprendo. No es que pensara «voy a ser músico». Al contrario, desde que era niño, eso de pensar en qué sería, en qué quería ser, me parecía muy extraño. En la escuela primaria nos dijeron: «Escribid qué queréis ser de mayores»… Tras pensarlo bien escribí: «Nada»”

“Si me preguntan si cuando me hice mayor me fue surgiendo la motivación especial apra la música, mi respuesta es que no verdaderamente no mucho. Incluso cuando estaba en la universidad pensaba que podría dedicarme a algo distinto… rodaría películas o escribiría novelas”

“Escuchaba tanto música clásica como pop. Recuerdo que escuchaba a Paul Anka, pero no me gustaba tanto… los que sí me gustaban decididamente eran los Beatles. Ponerme a componer y descubrir a los Beatles fueron dos cosas muy importantes para mí… Me gustaba tanto la sofisticación que ahbía en la música de los Beatles como la brusqeudad que había en la de los Stones”

“(Debussy) era diferente a toda la música que conocía. Totalmente distinta a la de Bach y Beethoven, que me gustaban. Por supuesto, distinta a la de los Beatles… Me quedé totalmente poseído por Debussy”

“Dedicarme a la película El último emperador fue para mí una gran experiencia. Trabajar junto al director Bernardo Bertolucci fue muy enriquecedor; todos los días eran intensos”

“Un tiempo después de los ataques terroristas, me fui dando cuenta de una forma cada  vez  más clara de que las circunstancias que rodearon el 11 S las creó Estados Unidos, en su papel como potencia hegemónica. Aparte de eso, lo que yo había obtenido, la música, la cultura, casi todo me había llegado vía Estados Unidos. El rock, por supuesto, y hasta el pensamiento oriental y el mismo zen”

Redacción Cuello Blanco Magazine

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